Transmettre l’émotion en chanson, corps et âme

Étrange pouvoir que celui de la chanson, sorte d’énigme qu’on est heureux de ne pas comprendre. Malgré tout, on peut poser l’hypothèse que l’émotion qu’une chanson déclenche n’est pas irréductiblement mystérieuse, et chercher à rendre compte de ce qui l’engendre ou de ce qui l’empêche. Comment l’émotion naît-elle du lyrisme d’un texte, de la courbe d’une musique, du subtil ou du grandiose de son arrangement, du grain d’une voix ? Qu’est-ce qui touche le plus l’auditoire, une esthétique de l’emphase ou de la retenue ? D’où vient le surcroît d’émotion ressenti en concert, au cinéma, ou lors d’une comédie musicale ? À travers des exemples précis et divers, on s’interroge ici sur la part de l’authenticité et celle de la mise en scène, de l’orchestration, bref du travail, dans l’émotion partagée entre chanteur et public. L’émotion est-elle spontanément emphatisée, ou bien manipulée, dans un cadre collectif ? Quel rôle faut-il accorder aux costumes, postures, chorégraphies, éclairages, écrans, décors ? Comment l’émotion est-elle manifeste dans le corps de l’artiste et dans les corps des spectatrices et spectateurs, au travers de réactions qui peuvent aller jusqu’à la transe émotionnelle ? Bref, comment « faire corps » et comment « faire âme » en chanson ? Comment se créent les émotions, comment les déclencher, les intensifier, les prolonger ? Et quels garants éthiques, politiques, épistémologiques l’émotion se donne-t-elle pour assurer sa légitimité ?